Kunstelementer er kendetegn ved et kunstværk, visuelt påviseligt og særskilt identificerbart. Der er seks grundlæggende elementer i billedkunst, som ved sidestilling på en bestemt måde skaber et kunstværk. De er linje, form, farve, værdiform og tekstur.
Rum kan også tilføjes som et af de kunstneriske elementer. Nøglen til at forstå principperne for kunst og kunstanalyse er at lære om disse elementer. Ikke alle behøver at være en del af hvert maleri, nogle gange er bevidst fravær af nogle af dem et særpræg for en kunststil. Imidlertid gælder en regel for dem alle – at lære at male er nødvendigt, udover og på trods af naturligt talent er viden den grundlæggende springbræt for kunstnerisk præstation.
Line
Line er det enkleste visuelle udtryksmiddel. Den forbinder en vis afstand mellem to punkter, og den kan være lige, kurvet, kantet eller fri. Linjens bredde, retning og længde definerer ofte en individuel kunstners slag.
Det er det afgørende element i design og den nødvendige bestanddel af mærker og skilte. Tyk eller tynd linje hjælper med at danne form og form, oprette en tegning, og derfor er det den mest grundlæggende komponent i figurelle og mange abstrakte kunstneriske stilarter. Nogle af teknikker, såsom printmaking, er baseret på linje, og nogle af tegningstyper er defineret af enkle linjer alene, såsom croquis.
Se den for forenklede Jean Dubuffet-tegning. Det minder om et børnestykke, hurtigt afsluttet med brug af rene linjer. Tegningen af en hund af David Hockney tilhører en anden stil, men den udføres simpelthen med stregen som det væsentlige billedemne.
Form
Form refererer til område defineret af kanter – linjer, som er todimensionalt. Det er ofte relateret til enkle geometriske figurer som trekant, firkant, rektangel, cirkel eller forskellige polygoner. På samme tid kan den efterligne alle de konturer, der findes i naturen, og skildre silhuetter af forskellige dyr, genstande, mennesker eller planter. Form kan ikke eksistere uden andre grundelementer i kunsten. De er også ansvarlige for at skabe emnet, uanset om det er figurativ eller abstrakt kunst.
Se, hvordan den grundlæggende geometri bruges som sådan i De Stijl -malerier af Piet Mondrian. På den anden side læner kubisme af Georges Braque sig på disse geometriske former, men den bruger dem som fundament til at bygge genkendelige objekter.
Farve
Uden farve var der ingen kunst. Farve sætter atmosfæren i et maleri, det beskriver følelser bedst, mens stilarter som impressionisme næsten udelukkende er baseret på farve. Bemærk de lyse nuancer i Monets stykke og de livlige farver i Van Goghs landskab.
Farve er den direkte konsekvens af refleksion af lys og et af kunstens vigtigste elementer. Farvenuancer kommer i en skala, men der er tre grundfarver – blå, rød og gul. Når de blandes, producerer disse tre farver alle andre nuancer af spektret. Det første kendetegn ved farve er derfor nuance eller nuance, der definerer farven, i termer, vi definerer som rød, grøn, gul, orange og så videre. Intensitet er det næste træk ved dette billedelement, der beskriver nuancens klarhed, i området fra lyst, dybt og levende til mat eller pastel. Intensitet refererer ofte til mætning eller dens renhed. Værdi er den tredje egenskab ved farve, der definerer dens lethed eller mørke. Hver nuance kommer i en række nuancer, tonet med hvidt for at blive lysere eller skraveret med sort for at blive mørkere.
Værdi
Værdi er kunstens element, der er ansvarlig for det dramatiske og følelsesmæssige indtryk af et kunstværk, lige ved siden af farve. Det refererer til lethed og mørke i et stykke, uanset dets nuance. Nogle gange kaldet “tone”, kan værdi opnås ved at tilføje grå til basen – ren farve. Det er irreversibelt forbundet med lys, ligesom farve, men formålet er at skildre en illusion af lys. Derfor skal overflader i et maleri gengives i forskellige værdier, selvom motivet alle er af samme nuance. Skygge og farvning giver mulighed for de ubegrænsede overgange i overfladegengivelse, og når de udføres dygtigt fremkalder de tingens naturlige udseende. Hvis du ser på Vermeer’s mesterværk “Kvinde med balance”, vil du se, hvordan hendes hud og tæt ser lysere eller mørkere ud, afhængigt af den måde lysstrålen falder på dem. Corots landskab viser et grønt landskab, men da lyset falder under forskellige vinkler på skoven, ser græs og blade mørkere eller lysere ud.
Form
Form refererer til den tredimensionelle figur, der er afbildet i et maleri. Det defineres ved illusion af volumen opnået ved brug af skygger og perspektiv. Formen som sådan forventes at have bredde, højde og dybde, og som i maleri er det kun en optisk illusion, i skulptur er den den vigtigste bestanddel. Former, ligesom former, stammer fra geometri og kan være kegler, terninger, kugler og lignende eller fra den naturlige verden. Organiske former definerer alle figurer, der findes i naturen, fra mennesker, dyr og planter til andre uorganiske naturlige og uregelmæssige objekter.
Se, hvordan Caravaggio i sit tidlige værk “Frugtkurv” bruger nogle af de grundlæggende elementer i kunsten til at skabe illusionen om tredimensionel form. Art Deco var en moderne og dekorativ stil, der stort set var baseret på geometri, men fremstilling af form havde en tydelig tredimensionel karakteristik, som det ses i Tamara de Lempickas arbejde.
Struktur
Tekstur beskriver den malede områdes taktile kvalitet eller illusionen af den kvalitet. Derfor kan det være håndgribeligt eller malet – simuleret og efterligne, hvordan en ægte tekstur af et stof, sten, træ, hud kan se ud. I klassisk kunst blev simuleret tekstur brugt til at skildre stoffer, genstande og porcelænsbrun, men efterhånden som moderniteten skred frem og nye teknikker dukkede op, blev ægte, taktil tekstur mere og mere almindelig. Tekstur giver rigdom, naturlig karakteristik for kunstværket, og dets fravær kan også være en bevidst erklæring. Det opnås ved at kombinere andre grundelementer i kunsten.
Tekstur i værker af Van Gogh er lige så vigtig som deres farve. Tyk og tung vægtning af Karel Appel understreger ekspressiviteten og følelsen af hans abstrakte malerier.
Plads
Rum er det område, der omgiver eller fylder kunstværket og det malede motiv. Klassisk kunst har længe været afsat til at skabe en illusion af rum, mens moderne kunst har formået at negere den på mange måder. Modernitet medførte ideen om et positivt og negativt rum. Positivt rum er det rum, emnet optager, mens det negative rum omgiver det.
I renæssancen var perspektiv det vigtigste værktøj til at opnå illusionen om dybde og plads. Bemærk hvordan Raffaello bygger sit interiør med arkitektoniske planer sammen med det firkantede klinkegulv efter de afbalancerede perspektivregler. Manets mesterværk “A Bar at Folies-Bergere” er et tidligt moderne, impressionistisk stykke, der skaber rum gennem en spejlrefleksion, i sidestillede fly frem for i et akademisk perspektiv.
