Stilleben er et af de mest udbredte, mest klassiske og mest kendte emner inden for kunst. Det er en genre, der gennemgik en meget lang formativ rejse for at blive autonom og betragtes som lig med historiske kompositioner. Når vi ser stilleben fra den vestlige kunsts begyndelse og frem til i dag, kan vi følge udviklingen af kultur, filosofi og menneskelig tankegang gennem århundreder.
I oldtiden var stilleben bredt spredt blandt det rigere samfundslag, der havde råd til vægmalerier. Nogle eksempler på emnet blev fundet i egyptiske grave, men smukkere eksempler kan ses i rester af den store romerske civilisation i Pompeji, Herculaneum eller Oplontis. Den berømte gamle græske fabel om malere Zeuxis og Parrhasius fortæller om deres dygtighedskamp i maleriet af et stilleben. Efter kristendommens fremkomst og det romerske imperiums fald i det 4. århundrede e.Kr. blev denne interessante genre stort set glemt for igen at dukke op i de tidlige dage af renæssancekunsten som baggrundsstøtte eller dekoration for den udførlige figurative, religiøse eller mytologiske scener.
Kunsthistorie markerer en af de første stillebenskompositioner, der var “Hare” fra 1502 af Albrecht Durer, som var imponeret over Italien, selvom han malede i nordlig stil. Et af de første malerier, der stod som eneste stilleben -kompositioner, var bestemt “Fruit Basket” af Caravaggio, udført i 1599, på det tidspunkt, hvor genren blev accepteret mere bredt. Alligevel var det først i 1600 -tallet, at stillebenets emne nåede sit højdepunkt i de udførlige, filosofiske og mesterlige værker af hollandske og flamske mestre.
Stilleben -genre begyndte at blomstre i Nordeuropa som et direkte resultat af reformationen. Oprør mod Vatikanets politik, religiøse malerier i Holland, Flandern og Tyskland begyndte at falde, så der blev skabt et nyt rum til andre former for repræsentation uden figur. Selvom udsmykkede og overdådige blev afvist, blev oliemaleri som teknik meget begunstiget i de nordlige lande. Den politiske og religiøse situation gjorde det muligt for stilleben at udvikle sig yderligere og blive en af de mest dybt symbolske typer af barokke emner fyldt med referencer til kristendom, dyder og ordentligt liv.
Midt i 1500 -tallet fødte udførlige scener af butikker, der skildrer højt udviklet kunsthåndværkssamfund i Holland og Flandern. Et par af mestrene i denne tid var Pieter Aertsen og Joachim Beuckelaer. En særlig type stilleben opstod lidt senere. Navnet på det var “Vanitas” – forfængelighed for at være præcis, sammensat med elementer specielt valgt til at minde observatøren om hans flygtige natur og for at fokusere sin opmærksomhed på livets evige korthed ved at angive “Memento Mori” – Husk døden. Den stigende befolkning af hollandske puritanere accepterede denne form for maleri lykkeligt, da den skildrede alt, hvad de troede på – tjente som propaganda for dydigt, beskedent liv. Dette var tiden for de mest berømte stilleben -malere, vi beundrer i dag – Harmen Steenwyck, Pieter Claesz, Willem Kalf eller Jan Davidsz de Heem.
I syd var stilleben ikke så populær, da kontrareformationspolitikken styrede scenen. Et af de sjældne eksempler er det nævnte Caravaggio -stykke eller nogle af de værker, der blev tildelt den napolitanske barok i det 17. eller 18. århundrede. Den spanske maler Francisco de Zurbaran accepterede emnet, men hans gengivelser af temaet var betydeligt mere dramatiske i belysning end de nordlige detaljerede værker. Genren vil nå sit højdepunkt meget senere i Spanien i Francisco Goyas arbejde.
I Frankrig blev stilleben imidlertid autonome og ønskelige måske kun med Chardin i 1700 -tallet. Jean-Simeon Chardin tog genrens realistiske natur til et nyt niveau og skildrede vidunderlige, næsten håndgribelige kompositioner. Han blev fulgt af Theodore Gericault i det 19. århundrede, selvom stilleben ikke var denne romantiske herres førstevalg.
Endelig fik stilleben i 1800 -tallet fuldstændig anerkendelse som den kunstneriske genre, og ved slutningen af århundredet blev det ikke længere betragtet som mindre blandt genrene. Henri Jean Theodore Fantin-Latour var især berømt for sit stilleben med blomster, men det var impressionisterne, der bragte en ny æra til emnet. Paul Cezanne er måske en af de vigtigste malere, der henviste meget til geometri og dermed satte grundlaget for kubistiske teorier, mens han skildrede stilleben og St. Victoire -landskabet. En af de mest berømte stilleben -serier fra denne periode er den med solsikker af Vincent Van Gogh.
Det tyvende århundrede medførte store forskydninger i kunst og efterfølgende også inden for genrer. Selvom de tidlige modernister virkelig brugte stilleben, begyndende med fauvister, over tyske ekspressionister, til kubister, var emnet i sig selv ikke af stor betydning. Jo vigtigere var teorier, som det blev malet på, og stilarter, der voksede relativt hurtigt. Alligevel udtrykte kunstnere som Henri Matisse, Georges Braque, Picasso sig selv gennem kompositioner af stilleben. Særligt dedikeret til temaet var Giorgio Morandi, en italiensk maler, der portrætterede enkle genstande med unik, lyrisk stil. Efter fødslen af den abstrakte kunst forblev en gruppe modernister trofaste til stillebengenren, men betydningen af de arrangerede objekter vil aldrig være den samme som i baroktiden igen. En af datidens mest følelsesmæssige stillebenskompositioner er et stykke af David Hockney, “Stilleben på et glasbord”, fra 1971, der skildrer dette klassiske og smukke tema på en helt ny måde, samtidig med at genrens symbolske karakter bevares.
Stilleben er bestemt en af de vigtigste genrer i kunsthistorien. Det afspejler kulturhistorien såvel som beherskelsen af hver enkelt kunstner, der malede den, mens den i dag stadig er et af de mest essentielle temaer, der undervises og udøves på forskellige kunstskoler over hele kloden.
