Η νεκρή φύση είναι ένα από τα πιο ευρέως διαδεδομένα, πιο κλασικά και πιο γνωστά θέματα στην τέχνη. Είναι ένα είδος που υπέστη ένα πολύ μακρύ ταξίδι διαμόρφωσης προκειμένου να γίνει αυτόνομο και να θεωρηθεί ισάξιο με τις ιστορικές συνθέσεις. Βλέποντας τη νεκρή φύση από την αρχή της δυτικής τέχνης μέχρι σήμερα, μπορούμε να παρακολουθήσουμε την εξέλιξη του πολιτισμού, της φιλοσοφίας και της ανθρώπινης σκέψης μέσα στους αιώνες.
Στην αρχαιότητα, η νεκρή φύση ήταν ευρέως διαδεδομένη μεταξύ του πλουσιότερου στρώματος της κοινωνίας που μπορούσε να αντέξει οικονομικά τοιχογραφίες. Μερικά παραδείγματα του θέματος βρέθηκαν σε αιγυπτιακούς τάφους, αλλά πιο όμορφα παραδείγματα μπορούμε να δούμε σε απομεινάρια του μεγάλου ρωμαϊκού πολιτισμού στην Πομπηία, το Ηρακλείνεμ ή την Οπλοντίδα. Ο περίφημος αρχαίος ελληνικός μύθος των ζωγράφων Zeuxis και Parrhasius αφηγείται τη μάχη των δεξιοτήτων τους στη ζωγραφική ενός νεκρού κομματιού. Ωστόσο, μετά την άνοδο του Χριστιανισμού και την πτώση της Ρωμαϊκής Αυτοκρατορίας τον 4ο αιώνα μ.Χ., αυτό το ενδιαφέρον είδος ξεχάστηκε σε μεγάλο βαθμό, για να επανεμφανιστεί στις πρώτες μέρες της τέχνης της Αναγέννησης ως υπόβαθρο ή διακόσμηση για την περίτεχνη εικονιστική, θρησκευτική ή μυθολογικές σκηνές.
Η ιστορία της τέχνης σηματοδοτεί μία από τις πρώτες συνθέσεις νεκρών φύσεων που ήταν «Λαγός» του 1502 από τον Άλμπρεχτ Ντύρερ, ο οποίος εντυπωσιάστηκε από την Ιταλία, αν και ζωγράφισε στο στυλ του Βορρά. Ένας από τους πρώτους πίνακες που έμειναν ως μοναδικές συνθέσεις νεκρής φύσης ήταν σίγουρα το “Fruit Basket” του Caravaggio, που εκτελέστηκε το 1599, την εποχή που το είδος γινόταν ευρύτερα αποδεκτό. Ωστόσο, μόλις το 17ο αιώνα το θέμα της νεκρής φύσης έφτασε στο αποκορύφωμά του στα περίτεχνα, φιλοσοφικά και αριστοτεχνικά έργα Ολλανδών και Φλαμανδών δασκάλων.
Το είδος νεκρής φύσης άρχισε να ανθεί στη Βόρεια Ευρώπη ως άμεσο αποτέλεσμα της Μεταρρύθμισης. Η εξέγερση ενάντια στις πολιτικές του Βατικανού, η θρησκευτική ζωγραφική στην Ολλανδία, τη Φλάνδρα και τη Γερμανία άρχισε να φθίνει, οπότε δημιουργήθηκε ένα νέο δωμάτιο για άλλους, μη εικονιστικούς τύπους αναπαράστασης. Αν και η περίτεχνη και πολυτελής απορρίφθηκε, η ελαιογραφία ως τεχνική προτιμήθηκε πολύ στις βόρειες χώρες. Η πολιτική και θρησκευτική κατάσταση επέτρεψε στην νεκρή φύση να αναπτυχθεί περαιτέρω και έγινε ένας από τους πιο βαθιά συμβολικούς τύπους μπαρόκ θεμάτων, γεμάτος με αναφορές στον Χριστιανισμό, τις αρετές και την κατάλληλη ζωή.
Στα μέσα του 16ου αιώνα γεννήθηκαν περίτεχνες σκηνές καταστημάτων, που απεικόνιζαν πολύ ανεπτυγμένη βιοτεχνική κοινωνία της Ολλανδίας και της Φλάνδρας. Μερικοί από τους κυρίους αυτής της εποχής ήταν ο Pieter Aertsen και ο Joachim Beuckelaer. Ένα ιδιαίτερο είδος νεκρής φύσης εμφανίστηκε λίγο αργότερα. Το όνομά του ήταν “Vanitas” – ματαιοδοξία για την ακρίβεια, που συντίθεται με στοιχεία ειδικά επιλεγμένα για να υπενθυμίσει στον παρατηρητή την εφήμερη φύση του και να εστιάσει την προσοχή του στην αιώνια συντομία της ζωής δηλώνοντας “Memento Mori” – Θυμήσου το Θάνατο. Ο αυξανόμενος πληθυσμός των Ολλανδών πουριτανών αποδέχτηκε αυτόν τον τύπο ζωγραφικής με χαρά, καθώς απεικόνιζε όλα όσα πίστευαν – χρησιμεύοντας ως προπαγάνδα για ενάρετη, σεμνή ζωή. Αυτή ήταν η εποχή των πιο διάσημων ζωγράφων νεκρών φύσεων που θαυμάζουμε σήμερα – των Harmen Steenwyck, Pieter Claesz, Willem Kalf ή Jan Davidsz de Heem.
Στο νότο, η νεκρή φύση δεν ήταν τόσο δημοφιλής, καθώς η πολιτική της Αντιμεταρρύθμισης κυβερνούσε τη σκηνή. Ένα από τα σπάνια παραδείγματα είναι το αναφερόμενο κομμάτι Caravaggio, ή μερικά από τα έργα που ανατέθηκαν στο ναπολιτάνικο μπαρόκ τον 17ο ή 18ο αιώνα. Ο Ισπανός ζωγράφος Φρανσίσκο ντε Ζουρμπαράν δέχτηκε το θέμα, αλλά οι ερμηνείες του στο θέμα ήταν σημαντικά πιο δραματικές στον φωτισμό από τα βόρεια περίτεχνα έργα. Το είδος θα φτάσει στο αποκορύφωμά του πολύ αργότερα στην Ισπανία στο έργο του Francisco Goya.
Στη Γαλλία, ωστόσο, η νεκρή φύση έγινε αυτόνομη και επιθυμητή ίσως μόνο με τον Σαρντέν τον 18ο αιώνα. Ο Jean-Simeon Charden ανέβασε τη ρεαλιστική φύση του είδους σε νέο επίπεδο, απεικονίζοντας υπέροχες, σχεδόν απτές συνθέσεις. Τον ακολούθησε ο Theodore Gericault τον 19ο αιώνα, αν και η νεκρή φύση δεν ήταν η πρώτη επιλογή αυτού του ρομαντικού κυρίου.
Τέλος, τον 19ο αιώνα η νεκρή φύση έλαβε την πλήρη αναγνώριση ως καλλιτεχνικό είδος και μέχρι το τέλος του αιώνα δεν θεωρήθηκε πλέον μικρότερη μεταξύ των ειδών. Ο Henri Jean Theodore Fantin-Latour ήταν ιδιαίτερα διάσημος για τη νεκρή του ζωή με λουλούδια, αλλά οι ιμπρεσιονιστές είναι αυτοί που έφεραν νέα εποχή στο θέμα. Ο Πολ Σεζάν είναι ίσως ένας από τους σημαντικότερους ζωγράφους που αναφέρθηκε πολύ στη γεωμετρία, θέτοντας έτσι τα θεμέλια για τις κυβιστικές θεωρίες, ενώ απεικονίζει νεκρές φύσεις και το τοπίο του Αγίου Βικτωρ. Μία από τις πιο διάσημες σειρές νεκρών φύσεων αυτής της περιόδου είναι αυτή με ηλιοτρόπια του Βίνσεντ Βαν Γκογκ.
Ο εικοστός αιώνας έφερε σημαντικές αλλαγές στην τέχνη, και στη συνέχεια στα είδη επίσης. Αν και οι πρώτοι μοντερνιστές χρησιμοποιούσαν πολύ τη νεκρή φύση, ξεκινώντας από τους Φωβιστές, από τους Γερμανούς εξπρεσιονιστές, έως τους Κυβιστές, το ίδιο το θέμα δεν είχε μεγάλη σημασία. Οι πιο σημαντικές ήταν οι θεωρίες πάνω στις οποίες ζωγραφίστηκαν και τα στυλ που πολλαπλασιάστηκαν σχετικά γρήγορα. Ακόμα, καλλιτέχνες όπως ο Henri Matisse, ο Georges Braque, ο Picasso εκφράστηκαν πραγματικά μέσα από συνθέσεις νεκρής φύσης. Ιδιαίτερα αφιερωμένος στο θέμα ήταν ο Giorgio Morandi, ένας Ιταλός ζωγράφος που απεικόνιζε απλά αντικείμενα με μοναδικό, λυρικό ύφος. Μετά τη γέννηση της αφηρημένης τέχνης, μια ομάδα μοντερνιστών παρέμεινε πιστή στο είδος της νεκρής φύσης, αλλά η σημασία των διατεταγμένων αντικειμένων δεν θα είναι ποτέ η ίδια όπως στην εποχή του μπαρόκ. Μια από τις πιο συναισθηματικές νεκρές συνθέσεις της εποχής είναι ένα κομμάτι του Ντέιβιντ Χόκνεϊ, “Νεκρή φύση σε ένα γυάλινο τραπέζι”, από το 1971, που απεικονίζει αυτό το κλασικό και όμορφο θέμα με έναν εντελώς νέο τρόπο, διατηρώντας παράλληλα τη συμβολική φύση του είδους.
Η νεκρή φύση είναι σίγουρα ένα από τα πιο σημαντικά είδη στην ιστορία της τέχνης. Αντικατοπτρίζει την πολιτιστική ιστορία, καθώς και τη μαεστρία κάθε καλλιτέχνη που το ζωγράφισε, ενώ σήμερα εξακολουθεί να είναι ένα από τα πιο βασικά θέματα που διδάσκονται και ασκούνται σε διάφορες σχολές τέχνης σε όλο τον κόσμο.
